老平遥的新活力 第二届平遥国际雕塑节寻找“之
摘要:第二届平遥国际雕塑节开幕式现场“本届雕塑节以‘之间’为主题,我们可以欣赏到150多件中外精品雕塑的独特魅力;雕塑市集开国内先河,500多件国内外雕塑大师作品的精彩呈现,实
第二届平遥国际雕塑节开幕式现场
“本届雕塑节以‘之间’为主题,我们可以欣赏到150多件中外精品雕塑的独特魅力;雕塑市集开国内先河,500多件国内外雕塑大师作品的精彩呈现,实现了雕塑生产和消费端的完美互动;600多名青少年儿童齐聚双林寺,写生精品雕塑,传承和赞美精彩绝伦的彩塑艺术。作为东道主,我们期待通过举办雕塑节,滋养精神底蕴,提升人文素养;期待更深层次助力城市提档升级,把我们的家园建设的更加美好。”
平遥县委副书记、县长石勇开幕式上致辞
第二届平遥国际雕塑节开幕式上,平遥县长石勇表示,去年结缘于奥地利莫比乌斯艺术基金会,平遥成功举办了首届平遥国际雕塑节,以特有的文化气质和开放姿态,赢得了全球艺术界的瞩目和赞誉。今年,又得到了靳尚谊、彭峰、高立昂等中国、法国、奥地利知名艺术大师、专家学者的参与和支持,得到了各级领导的呵护与陪伴,平遥国际雕塑节更加成熟、前景光明。
开幕式当天,真人“雕塑”表演
雕塑艺术是平遥多元、厚重文化中的精髓,源远流长,传承悠久。古刹双林寺内的两千多尊彩塑神形兼备、神人交融,被誉为“东方彩塑艺术宝库”。再加上镇国寺内11尊保存至今的国内唯一五代作品,散落在城乡的5万多处砖雕、木雕、石雕等珍贵的民间雕刻艺术,使平遥成为天然的“雕塑艺术天堂”。
古刹双林寺也成为本届雕塑节展区
重拾渐被遗忘的“之间”
之所以以“之间”为本届雕塑节主题,策展人彭锋表示,“之间”是中国哲学和美学中的独特思想,在儒家、道家、佛家等哲学思想和诗论、乐论、画论等艺术理论中,均有不同程度的体现。“作画妙在似与不似之间”,成为中国美学的至理名言。遗憾的是,在汉语字术语言的现代转型过程中,“之间”连同其他许多重要概念一样,没有延续下来,与“之间”有关的丰富而深刻的思想,也渐渐被人遗忘。
“之间”之所以被遗忘,一个重要原因在于:中国现代学术思想和概念在总体上受到西方现代性的影响,在一分为二的西方本体论框架中没有“之间”。在一分为三或者天人合一的东方本体论框架中,“之间”具有特别重要的意义。
柴油机厂展区户外
主题“之间”旨在唤起人们对中国传统智慧的记忆,同时让我们意识到现代与传统之间的巨大差异。在彭锋看来,这种“之间”不仅体现在展出的作品中,而且现实地存在于平遥古城中。“‘之间’的重要性在于,传统不可能演变为现代,现代也不可能还原为传统。我们既要学会像庄子处于‘材与不材之间’那样处于传统与现代之间,该传统的时候就纯粹传统,该现代的时候就纯粹现代;也要像孟子处于‘为我’与‘兼爱’之间那样处于传统与现代之间,将传统与现代融合起来,形成一种兼顾二者的中间状态。”
中国美术家协会名誉主席靳尚谊在古镇观展
2019年7月5日,第二届平遥国际雕塑节在拥有2800多年历史的平遥古城盛大开幕,来自海内外多个国家及中国本土的著名雕塑艺术家齐聚古城,作品横跨传统至当代的中外雕塑作品参展,是古城平遥继国际摄影大展和国际电影展之后,又一中西交融的国际文化艺术交流活动。本届平遥国际雕塑节由平遥国际雕塑节组委会主办、平遥国际雕塑节有限公司承办、奥地利莫比乌斯艺术基金会为出品方,本届国际雕塑节邀请了中国美术家协会名誉主席靳尚谊,著名艺术评论家邵大箴、法兰西学院文化与通讯院士高里昂出任本届平遥国际雕塑节总顾问。
柴油机厂展区
乌尔里希-劳克(曾任瑞士卢塞恩美术馆馆长、伯尔尼美术馆馆长)、彭锋(北京大学艺术学院院长,第54届威尼斯双年展中国馆策展人)出任本届平遥国际雕塑节总策展人。两位中外总策展人将以国际化的视野和思考,在全球化时代去“中心”的特质下,寻求和探索艺术与文化在当下及未来的延续与延伸的可能性。
雕塑市集单元现场
平遥雕塑节展览现场
展区+艺术市集,更接地气了
雕塑节以整座平遥古城作为户外作品展示空间,特邀艺术家进行互动性雕塑作品制作,让所有到访者零距离感受雕塑作品所带来的魅力;以柴油机厂作为室内展示主空间,展示数十位国内外知名雕塑艺术家的作品。
相比于首届平遥国际雕塑节,第二届雕塑节更关注青年艺术家的发展,增设“国际青年雕塑推动计划”板块,以平遥双林寺作为展览场地,为青年雕塑家的成长助力。与此同时,本届平遥国际雕塑节还与中国著名雕塑企业山西宇达集团在平遥古城棉织厂合作举办中国雕塑市集活动。
平遥雕塑节展览现场
在如今全球化的时代语境下,东西方间艺术文化的交流与碰撞已经不再因地域而割裂,愈加频繁地互动正在让世界重新认识流传千年的东方文明的魅力。去年平遥走出了打造“中国雕塑之城”的先手棋,成功举办了首届平遥国际雕塑节。今年作为第二届将更加强化千年古城的内在文化特性。平遥古城以文化为立世和扬名之魂,只有把提升本土文化艺术自主构建作为历史使命,让其既体现本土精神,又兼具有全球视野;既体现传统魅力,又兼具现代时尚。
雕塑节研讨会现场
正如策展人彭锋所说,传统与现代“之间”呈现在时间中,东方与西方“之间”呈现在空间中。处理好这两种“之间”,世界就会充满活力。进入21世纪之后,中国社会在总体上体现出了前所未有的动感与活力。东方与西方,传统与现代,乡村与城市,人文与自然,以令人眼花缭乱的速度演绎各种各样的关系。
“一切都在过去与未来‘之间’,在这里与那里‘之间’快速变化。在一切皆变的世界,惟有‘之间’不变。我们期待来自不同国家的雕塑家们,用自己的作品在快速变化的当代社会辟出一片净土,让我们身处世界之中又置若世界之外。就像平遥古城,仿佛截断了历史的洪流,给了我们一个‘之间’去瞻前顾后,东张西望。”
【柴油机厂展区户外部分】
任哲 《中流砥柱》 210x180x250cm 不锈钢 2014
陈志光 《奔》480x480x300cm 不锈钢锻造 2015
陈志光的蚂蚁,是不锈钢材质的。他有意把这些“个体”最好的代表——蚂蚁,用不锈钢的方式放大给每一位观者凝视。他一次次地邀请观者们——也就是蚂蚁化的人类,去凝视这些脱离了群体队伍、被放大了主体性的“自己”,从而真正地“看见”每一个微小的生命,尊重它们拥有的勇猛生命力、不可代替的生活史。这一主题的创作动机不仅体现在表现对象的选择上,更是在艺术作品媒材的选择上得到了补充注解。不锈钢的材料本身带有刚硬、不易腐坏和具有反射效果等特征。刚硬是它人格化的隐喻,不易腐化使其精神文化得以传承,反射的效果却让每一个靠近它的观者都看到了正在思考的自己,看到自己那或好奇,或疑惑,或坚定的目光。
陈文令 《彩虹》 420x260x192cm 铜着色 2011-2018
自幼生长在故乡福建的生命体验,无时不在塑造着陈文令的文化根性。比起许多当代雕塑,陈文令的作品总是伴随着一种与故土亲密的关联、一种对文化基因认真的审视。2014年陈文令被确诊出鼻咽癌,生命红灯的再一次亮起,却未能阻止他创作灵感的迸发。延续自《城市公牛》灵感的《万物皆牛》在2016年展出;《行走的人》则在2017年回归对个体经验的探索,顾振清在《陈文令的物像演变》中评论道:“男孩脸上的精致口罩显然是一个关联病态社会、病态环境与个体病症的道具符号。男孩的腿部超比例拉长,身体前倾,保持了一种筚路蓝缕、继续前行的姿态。其实,这个童真男孩形象体现的正是艺术家陈文令自身所秉持的一种不屈不挠的生命意志与一种上下求索的求知精神。”
王开方 《金砖围城》 420×400×260m 不锈钢镀钛金 2019
王开方的新作《金砖围城》由五块金砖围合成一个亮丽炫动的空间,观众在此徘徊、穿行,以各种角度姿势合影、自拍,与之互动,这种穿行是带有娱乐性和危险性的,正像我们生存的空间,喜悦中充满各种危险,也因危险而更添喜悦。空间被一层层地复制折叠,城市、自然与人被分割成片段混杂重复着在一起,但被粉饰上金色自作美好,在欢乐中人们迷失并重新探寻着方向,成为我们现在生活的映射。金砖围城,城外的人想进去,城里的人想出来。
印度兄妹工作室·丽金 《为世界和平而祈祷》 260x250x130cm 不锈钢 2012
印度兄妹工作室·巴拉特 《甜蜜的记忆》 200x350x350cm 青铜 2016
施力仁 《赤兔战马》 321x100x255cm 不锈钢 2017
田禾 《水》系列 100X100X100cmX3 不锈钢 2014-2016
《水》系列的创作灵感来源于2014年艺术家田禾在苏格兰参加的为期8天的航海活动。通过这段期间与大海和自然的亲密接触,她借取中国明代画家马远的水图中以线写形的中国式对形的认识,以雕塑语言来表达了人类意识对自然影观的剥取与呈现。水是万物中最不可固定的物质,她自由、随和、却充满了生命的力量,而系列作品《水》将自然流淌的水人为的截取为各种不同大小、比例的立方体,正如我们在日常生活的过程中凭借我们的意志对自然万物的索取。1950年中国有全景有50000万条河流,到1990年再次勘查仅剩28000条河流,到了2018年的今天我们还有多少河流?田禾希望《水》可以让我们深思人类与自然的关系。当你在《水》的不锈钢切割镜面上看到天空、自然;看到正在观看作品的我们自己,或许能够意识到我们也是自然的一部分,能更多地关注对自然生态的保护。
谢克 《当代山水》高度170cm 不锈钢烤漆 2012
谷文达 《【天象】·碑林陆系 - a》尺寸可变 儒石 2014-2015
王艺 《世界那么大,我们去看看》 5700x2200x3000mm 不锈钢 2018
郅敏 《天象四神-白虎》 320x120x270cm 金属,陶瓷 2017
《天神四象》这一系列作品是郅敏对雕塑艺术本真特性的发掘,也是对中国传统文化如何进行当代表达的摸索。在郅敏这里,《天神四象》被注入了许多想法——“艺术,是人类参与讨论世界的一场行动。雕塑,是人类参与探讨世界的一团物质或能量。自然自有规律,面对上天的启示,人类可以膜拜、学习、领悟和超越自我。艺术是人们参与寻求真理、向往光明的痕迹,是每个人表达爱的方式,是人类在天穹之下追寻日月之光的见证。2011年至今,我专注于中国传统文化的当代表达。《天象四神》系列以及正在创作的《二十四节气》,是《河图洛书》系列的延续,都是向中国古代天文理念的致敬,来展现伟大的华夏文明的自然观、科学观,同时也是面向当代创造力的尝试。艺术的终极目的,是关于爱和光芒。‘我’,是此刻凝聚的一团物质与灵魂,‘你’,是大千世界、无尽宇宙、伟大传统。我的艺术来自于‘我’与‘你’的对谈。”
贾濯非 《红色照金》 高4米 青铜
【柴油机厂室内展区】
薛雷 《瓷铁丝》 尺寸可变,无限长,可空间环绕 气窑1280°C,新媒体投影1280°C
薛雷的作品是无限延伸的单根瓷铁丝和虚拟多层铁丝光影在时空中交错。由白瓷烧制而成的瓷铁丝带着“节”环绕着室内空间,如同我们人类结节记事的历史。突然墙面投射出四层平行延伸的“瓷铁丝”影像,叠加在真实瓷线之上。伴随着扫描声,巨大的粒子震荡与运动体,随音乐出现在真实与虚拟的瓷线后方空间。音乐中单个名词不断积累叠加,直到“这是什么?”的发问开始,影像空间焕发出?烂色彩。我们沉浸在虚拟世界中,完全可以忽视真实的瓷线与虚拟瓷线的区别,我们用虚拟来获得真实的体验和感受......直到干扰波与噪音打破了这一切,按键声按下,我们继续存在于由单根瓷烧制而成的瓷线空间中,瓷节延伸而去。作品由静态雕塑瓷线与动态影像空间两种时态交替循环出现,展现着作者对人工智能时代中“现实”与“虚拟”的困惑和对未知光芒中人性的憧憬。
郑路 《AGARD CT-5翼型》 190x190cm 不锈钢 2019
郑路携的《AGARD CT-5翼形》是一件窗形装置,线条凝练简洁。正如郑路近几年试图传达状态,“如果说我以前的作品更强调审美,那近几年来的思考则更偏向感知。”那些舒展灵动的装置作品是他,而这样的沉稳简练也是他。郑路持续地把自己关注的问题投射到当下的创作中,一切的意象都是物质装置的真实传达,所有的思考由艺术本身而转化。正如他所说,“人真的有自由意志么?我们以为自己是生命的主人,但相对与更广阔的世界、更高的维度而言,事实是否真是如此?”
任宏伟 《永动机虎虎》 56x90x100cm 玻璃钢,汽油桶,烤漆 2014
任宏伟对待工业化废墟不是停留在冰冷的批判态度,而是以悲悯之心重铸。他呵护油桶材料的原始特征与质感,即使压瘪变形、与动物混合对接,油桶没有失去自己的原始特质转为新形象的附属,它始终是视觉和思绪轨迹的引线,这就保存了油桶材料丰富的原始信息。他构筑了一个想象的世界,制造了新物种。油桶与它者的混合对接,是伤害者与被伤害者的最终合体,无度的工业开发给世界带来的不只是创伤,而是对自身基因的彻底伤害——物种变异,这正是社会异化的形象写照,是他心理意识的反思与抵抗。石油据说是由亿万年前的动植物尸体腐渗入岩层和其他元素生成的,而任宏伟好像是把动物从石油中挤出来,或在动物的身体加个压扁的油桶,像是给动物按个油厢,又像是禁固的感觉。《永动机虎虎》希望能够展现过度的工业发展与自然的冲突关系,具有深远的意义。
贾米·普兰萨 《永无止境》 224x180x216cm 不锈钢 2015
贾米-普兰萨在此次平遥国际雕塑节上展览的是他创作于2015年的雕塑——《永无止境》,这件作品与的意涵或许能在这首诗中略显一二:“我们说着各种语言,我们每个个体都是一种鲜活的存在。人类在历史进程中的喜怒哀乐,一言一行,都定格成为雕塑上一个个永恒的符号,组成共同的我们。雕塑唤起我们对生存状态的深思, 对自身的重新认识。我们从全世界汇聚到这里,我们一起思考与工作,彼此思想的碰撞、交流,产生最耀眼的智慧的火花”
乔恩·伊舍伍德 《移动正在进行中》 40x40x130cm 中国黑花岗岩 2019
Tony Brown 《∞²》 1900x1500x1700mm Corten Steel,Wood Base 2019
强勇 《糸》 400cmx50cmx200cm 玻璃,尼龙线 2016
强勇展出的《糸》,一件神秘而优雅的作品。感受万籁俱寂,万物的心跳,激起涟漪,交织、运动、变幻、穿梭、消散……随波逐流或是波澜壮阔,取决于能量场域的强弱,如同音符轻柔地编织着,宇宙浩瀚的天罗地网。
李真 《天空》 103x77x191cm 铜雕 2012
1963年,李真生于中国台湾云林,目前创作于台中、上海两地,以其兼融东方气韵及西方美学的雕塑作品,获得国际关注。李真早期涉猎佛学道家等,在自由创作的精神中融入自我摄心之情感,吸收东方传统与西方雕塑、及原始非洲大洋洲等艺术养分,更结合当代思维,作品不受单一传统束缚,呈现既重又轻、浑然天成的效果。李真透过艺术进行个人的“精神疗伤”,在俗世中寻找乐土,在作品中创造灵性空间,用幽默诙谐的方式暗喻世事,希望欣赏者能察觉其中的精神元素。
向阳 《幻化之屋》 500x450x350cm 中式老家具,丝线,木 2018
艺术家向阳的这件作品的整体内部空间由重新解构与扩展了的家具所建造而成,于是成为一种不具功能性、实用性却带有未来性的建筑空间。中式家具的文化意涵在此一空间的内、外发生了移转。我们的所有思维与价值观,皆取决所身处的文化脉络。此作品由外观之,乃由东方文化符号与西方当代艺术表现形式所构成;而其各自指涉的文化意涵,因为一起被搁置在由内观之所有文化标志皆被剥离的空间里,也将被重新解构与阅读。东西方文化并非对立,乃是相对,此一关系使得东西方各自意识形态间的各种思维得以成立并存。
王立伟 《高级动物》 130x80x305cm 牛皮、树脂 2019
何翔宇 《铜(女士鞋)》 鞋子:9x27.5x10.5cm 9.5x27x10.5cm;底座:87x87x99.5cm 铜 2014-2015
何翔宇的创作实践可以被视作各类个体、社会和政治主题的材料测试场和观念实验室。作为一名在中国迅速城市化时期成长起来的艺术家,何翔宇尝试由物体间的转化体现或引导感知。在作品《女士鞋》中,个体经验是何翔宇重要的出发点。他将人们引至具有一定普遍性的身体感知空间,试图提示对视概念及感受力具有的共通基础探讨文明和可识别身份特征剥离后的可能。
展望 《隐形2#》 283×165×198cm 流体力学与算法、3D打印、不锈钢手工敲制、热烤色 2017
展望 《隐形81#》 224x142x220cm 流体力学与算法、3D打印、不锈钢手工敲制、热烤色 2017
王焕青 《广场》 尺寸可变 装置,综合材料 2019
李鸿韦 《破碎中重生》 275x85x200cm 烧制瓷土,不锈钢,铁 2015-2018
李鸿韦的动态装置作品《破碎中重生》给予了“历史”一个零散的形态。艺术家将自己实验十多年的瓷打碎,并用碎片重新创作,颇有一种不破不立的意味。陶瓷、不锈钢、锈铁,这些物质材料产生于不同的文明时期,因而携带了不一样的时间记忆。这些记忆存在于人的意志之外,构成了材料本身独立的意义。历史时间的概念,不仅镶嵌在这些物质内部,同时也因这些物质所隐喻的文化意义开始逐渐显现。铁,人抗衡自然得以生存的佐证。瓷,中国封建文明通过海上贸易输向世界的文物。抛光的不锈钢,映照了现代工业下人们日益透明化的社会生活。在这里,每种材料都站出了自己独有的姿态。
李涛 《过界》综合作品组合 2018
李涛的立体类型作品在实践中形成了几个特点:有别于传统雕塑里圆雕的概念,作品具有一定的平面性。一些作品往往引导观者从正面观看作品,但同时具有多层次的进深感,有点像我们在影院看3d电影的感觉,制造出虚幻而又真实的三维感觉。另一个特点是在作品中尽量避免单一物体有过大的体量,反而尝试利用各种材料、手法和元素的位置组合尽量消除雕塑作品中原本极为重要的量感和实在感。不同于传统雕塑独立于空间之外,艺术家更关注作品与空间的关系,会将整个空间当作画布来建构作品,把实际占据在空间中的“实体”和由此发生的负空间一齐组合产生有特殊指定感的的整体弥散气氛。
此次参展的系列作品是对混合材料、媒介和体验的尝试。整个系列的名字“过界”就提示了这一尝试,即通过多种材料(木、铝、铁、腊等等)之间超越常规的不同组合、碰撞,去试探因此会带来的视觉上的变化,以及人的体验的不同变化。这是对情感符号、文化符号,甚至是指向宗教的更多纬度的尝试。系列中作品的基础形制是一样的,但其不同的形状、材料的配比和嵌套方式,会产生非常大的变化。这是在材料上进行的一场冒险。
阮家仪 《Chrono Cross IV超时空 IV》 H:30xW:40cm 塑料玩具,珠子,树脂,电机,齿轮,LED灯 2018
Jams Carl 《皮相筋》 170x110x110cm 铸铝 2019
隋建国 《手迹系列15#、16#、17#》高(长)150cm 铸青铜 2017
“手迹系列15#,16#,17# 三件一组作品,是艺术家隋建国在捏石膏的时候,从手指缝里挤出来的碎片。2017年的时候,艺术家在放大镜下发现了这些个碎片的精彩,就将它们扫描后又打印出来,作为一组作品同时展出。”《手迹》呈现的泥状物,印有隋建国双手的纹路,这些烙印证实着身体的在场,而成型于最新的高精度3D 扫描技术和光敏数字打印技术的作品本身,却因为过度的精细,赋予“以手造物”这一定论以虚假的荣光。“机械复制的时代”不仅将图像与视觉经验推向了舆论的漩涡,也正在向触觉经验的呈现发起挑战。这种雕塑的呈现形式是对艺术家主体性的削弱、对媒材性质的强调,着重点的转移却反而引起我们对身体是否“在场”的思考。
岳敏君 《笑可笑 非常笑(编号2)》 高约2.1m 不锈钢,铁 2012
郭工 《切问-不锈钢C》系列 不锈钢 2017-2018
郭工的不锈钢系列作品最为核心之处在于,无论薄厚,无论平整还是蜿蜒,作品的其中一面将以镜面示人。无论是艺术,还是文学与电影,镜面的出现往往预示着,或引导着对于自我内心的窥视,但这毕竟是隐喻式的表现手法。镜面本身并没有呈现宇宙至理的魔力,而是纯粹的,对于现象世界的反射。不能忽略的是,郭工的不锈钢镜面背后有着实在的体量与纵深。因此重要的不是它反映了什么,而是掩盖了什么,吞噬了什么。此时答案再显而易见不过——正是由实实在在,层层叠叠的不锈钢板所打磨而成的剖面,将余下一切统统收入囊中,倏地一瞬,遁入虚空。恒常的作品形态浓缩了由量变激发质变的过程,始与终同在一处,收尾相接,相互转化,互为因果。镜面的产生似乎就此化身为对于自然之理蓦然顿悟后的澄明。
理查德·迪肯《未知的定制》 243.5x135x203cm 不锈钢 2018
王少帅 《红球计划》 尺寸可变 综合材料 2019
杨穹 《浮屠》 150x80x80cm 综合材料 2016
苍鑫 《自在系列》 250x140x100cm 铸铁 2007
人、社会、自然、宗教,哲学和神秘力量,这些元素融合在苍鑫的创作当中,逐渐使他摆脱了西方观念艺术的模式,更自觉地在内心灵魂深处寻找艺术创作的思想原点,并且通过不断身体力行地创作试图超越艺术观念的边界。近年来,苍鑫的艺术语境涉及到人类生命乃至宇宙的本源,陆续有《暗意识》《异次元生长》《精神颗粒》《能量模型》等个展面世,这些作品试图描绘一个源于古老传说和神话的、神秘且富有想象力的、代表东方文明又预示未来的世界。本次平遥雕塑节苍鑫要展出的作品是《自在系列》,延续着他一贯的对生命意识的表达。
钞氏兄弟 《东方红》系列 尺寸可变 陶瓷 2015-2017
吴笛笛 《几何山水》 189x81x30cm 木,宣纸,水墨 2011
吴笛笛的作品《几何山水》从形制上讲,它的结构是木板搭建,表面覆盖以宣纸,再在纸上部分用墨渲染,而后层层叠加,最后勾染相应物象。几何是西方的概念,山水却是东方的意象。中国自古以来就有“一山一世界”、“咫尺皆天涯”的概念。大家都知道的山水画的题目总是“……图”,这就隐含着地图的全局观,既然是全局肯定不适合单点观看,所以我们在这个作品中没有设置特定的观看角度,而是适合在四周行走中观看,并因为其间立体几何的特质,有隐有显,再现了移步换景的园林式观看体验,循环往复、无始无终。这是另一种“造园”。在此和盆景式造园不同的是,我用了多层次、多线索的叙述,我们觉得线性时间的叙事往往作为一种排它性的虚构方式,而事实是具有“同时性”和“错时性”的,我把它们都镶嵌在这种结构当中。
洛鹏 《两个拳头》 高180cm 玻璃钢,泡沫 2018
吴达新 《七重塔》 560x400x400cm 注:尺寸可变 不锈钢齿轮,电机 2018-2019
吴达新的这件作品《七重塔》由许多转动的齿轮构成,五百多个不锈钢齿轮彼此相扣缓缓转动,构建出一尊动态的浮屠。作品创意灵感来自吴达新故乡泉州的两座古代石塔的塔顶,“七重”的塔状结构来自佛教经典,象征着生命之树,对泉州人而言,这两座古塔既代表着神圣的结构,又承担着世俗的功能,既是宗教建筑,也是为港口水手指引航程的灯塔。
“艺术无外乎形式和内容”,“回过头看一段历史,其实对我的帮助较大,艺术无外乎就是形式和内容。当形式和观念在的时候,用你的观念表达一个出口,这成了创作的次序。”在吴达新的作品中,总有一种体量和工程的感觉,都包含着禅意。这与吴达新的学历背景有很大的关系,始终贯穿了一个伦理的向度。后者体现为重归和谐的渴望,但“进步”以其最残酷的方式在扰乱和抹除事物的秩序。或许,艺术是一种能够重建秩序、再现和谐的巨大力量,和谐存在于人类所栖居的这片土地上,而非理想的天国。吴达新在作品图像的中西文化资源和符号的利用之上,一个有趣的视觉呈现就是移植与并置,并在迭加中悄悄地渗透、融解。不同文化中象征的拼合,既是现实状态的一种,又是吴达新作品的一种话语方式。
艾墨思 《自我》系列 不锈钢丝网 2019
李梦媛 《The Light in 7 Pieces》 240x240cm 和纸胶带、不锈钢、玻璃、等综合材料 2018
李梦媛《The Light in 7 Pieces》 和纸胶带、不锈钢、玻璃、等综合材料 160x160cm 2018
作为艺术家,李梦媛专注于自己的内心,作品来自对城市与自然的观察,用胶带作为装置媒介以此构建耳目一新的视觉景观,作用于人对空间的感知。她的作品关注透过几何、色彩和直线的变化赋予空间多重维度和体验,挑战并探索艺术创作的边界。《The Light in 7 pieces》系列是一项以“光”和“胶带”为创作元素的艺术实践,将光的自然形态与感受物理化,凝固了的光以其形与色的表象与真实世界产生关联,“虚空与负形”重新定义“有意味的形式”,作用于人对空间的感知。
几何是现实世界的轮廓,也是作品表达的视觉逻辑,胶带自由生长的图形,透过移动、折叠、翻转、放射等运动,将复杂世界不断提炼为最本质的造型,以此静观万物内部的平衡与规律,感受视觉带来的愉悦与安宁,用艺术的思考呈现事物内部的秩序,塑造时间的体积。作品透过色彩和直线的变化赋予空间多重维度和体验,让胶带这件“普通物品”在新的语境中创造价值,成为交流的动力,探索艺术语言的边界。
琴嘎 《套圈-圈套》 300cm 树脂、煤渣 2013
琴嘎的实验艺术作品非常具有穿透力,力图提供给观者一种打破常规的、独一无二的艺术认知体验。一贯的反审美态度,使他发展出一种针对材料的超日常的个性偏好和依赖,近年来他对灰烬的研究体现其对身体多角度的应用和考量。这些沉稳的、具有逻辑推进线索的思考,都是琴嘎特定的“材料学”研究的结果。
琴嘎经常使用与能量有关的可见或不可见的材料,正如《套圈-圈套》的创作原料是树脂、煤渣还有细沙,他还会采用比如钢板、油桶、冰块、铁锅、电热丝、液化气罐、燃烧、电能、蜂窝煤等等,或在创作过程中对作品实体施加切割,从而使作品仿佛处在动力场中。不过琴嘎关注的并不是能量本身,而是能量和身体之间可能存在的冲突和危险。能量使作品成为动荡中的雕塑,而在雕塑的过程里,尽管人的体验和感知无法持久,也无法永存,但人的体验和感知将成为最有价值、最具尊严的留存。
章燕紫 《透气》 尺寸可变 纱布卷 2019
《透气》是章燕紫为平遥国际雕塑节打造的新作。她说,“城里的空气越来越差了,工作也常常压得人透不过气来。学画时,老师说有的画,画得透气,那是好画。后来,我一直努力画透气了,似乎那是一个标准。
这个标准,后来好像成了追求舒适的标准。衣服的面料要透气,化妆的粉底要透气,鞋子袜子要透气,房子要南北通透,空气净化器要有负离子循环……
在我的创作过程中,材料从宣纸到止痛贴,一直在进行不同的尝试,最近发现纱布这个材料很有意思,从材料本身来说它是最透气的,纱布接触的是伤口,包裹的是疼痛,这又使这个材料有了一点特殊的含义。用纱布作为材料,做成作品,一卷一卷排列在那里。突然,让我有了点,不透气的感觉。”
陈曦 《明亮的光》 250 x 125 x 180cm 底座直径:111cm 金属雕塑(不锈钢加铸铜) 2019
陈曦的《明亮的光》作品中有兔子的形象,它的由来源于2018年的个展《逃跑的兔子》,这个展览核心形象是一只黑色兔子,而这兔子具有双重的身份。它首先是人的指代,其次代表了地球上的其他动物。以兔子作为一个象征人的隐喻,首先是缘起90年代读的美国作家厄普代克的兔子系列小说。在小说第一部里有这样的描述:“26岁的哈利被困在二流的生活当中,一个酗酒的妻子,一个到处是脏碗盘的房子,一个幼儿和一份毫无意义的工作。意识到自己无力改变这一切,他从自己宾州的家里逃跑了。”“当然兔子没能跑远。一个不甘平庸的男人试图从二流的生活中私奔,但是作为一场私奔,他缺少一个女主角,一个地图,一个敌人,一个明确的目的地,一种悲壮感……总之他缺少传说中的私奔所需要的一切构件。于是,在公路上狂奔了一夜之后,他回到了小镇。” 这样的描述显然是人类普遍性的日常轨迹乃至人生宿命,主人公“兔子”的绰号暗示了人和兔子的某种相似特质。然而人类毕竟更强大,在人类大步前进的征途上,众多美丽的自然生物、动植物成为了牺牲品,即便很多都是无谓的牺牲。我们时时显露着巨大的野心,急切的想要奔向地球以外的更大空间,然而我们个体更多时候感受到的,却是真真切切的生命之脆弱无力。
谢晓泽 《牡丹亭·回生》 27.5x29x4cm 青花瓷器 2018-2019
金石 《渐渐消失的几何体》 225x16x18cm 木头 钢 纯银 2018
金石的作品是一个关于风景的雕塑。既然是风景,那就离不开自然,离不开人,更离不开人的居所。《渐渐消失的几何体》就是关于人与自然的风景,是关于居住的风景。从远古至今天,这个风景一直都处在自然与人的良好共生状态。美景可以是高山可以是平原,可以是溪流也可以是大海,风景里总有蓝天白云,暴风骤雨,鸟语花香,但是近几十年来城市化的进程已经极大改变了人类的居住环境,房屋之外是房屋,路面之上还有路面,工厂隔壁还是工厂,地上是楼房,地下还是楼房。那样一种田园牧歌的生活,山水花草萦绕的小屋,面朝大海春暖花开的情怀都慢慢的消失不再。
欧阳苏龙 《聚会》 180x130x100cm 高密度EPS泡沫雕刻 真石漆 钢架 2019
栗子 《喷泉》 高220cm,直径180cm 不锈钢 2017
栗子的作品《喷泉》中的文字是意大利歌剧里有关于水的台词。喷泉使人想起过去,当时的人已经不存在了,而水流流过的腐蚀和残缺的效果就像时间快速流过,此刻的喷泉便成为了时间穿越的“提醒物”。作品把过去带到人们眼前,让人不禁思考,或许将来也会将此刻带去。《喷泉》中间的雕塑是巴洛克时期的贝尼尼雕塑的变体,还融入了米开朗基罗的雕塑风格,这是对于古典的传承,周围四个枪喷出的是水,表现了对文明和平的渴望。
王滢露《切开》 1件大:50x35x10cm;6件小:30x20x10cm 铜,树脂,丙烯颜料 2017
王滢露的《切开》是一个关于个体,性与战争的作品。我们对战争的认知一直以来都是由伤亡数字、经济损失、政治社会等宏观的字眼组成。然而,切身感受伤害的个人,他们微观的视角几乎失焦,他们的声音近乎失语的。2015年,是第二次世界大战结束60周年,艺术家王瀅露来到了日本的广岛。著名的反战音乐家久石让,他选择了在这一天在广岛举行音乐会。音乐会的最后,他以”The end of the world “结尾:don’t they know this is the end of the world , when you don’t love me anymore (当你不再爱我的时候,就是世界末日)。他以最个人的视觉出发,告诉我们战争给人类带来最大的伤害是,它使人和人之间失去了爱。《切开》的手雷一方面是战争中的武器,另一方面是一个打开自己,揭露个人的脆弱的符号。在这个作品中,战争,恐怖主义袭击,殖民主义,性侵,男权主义的本质,都是极权。
田晓磊 《思想者》 高60cm 宽30cm 3d打印树脂 2019
数字媒体艺术是田晓磊创作的载体,他感兴趣这个时代快速迭代的不确定性,感兴趣未来进化中科技与生命之间的关系,感兴趣这个杂交时代所诞生出的新物种。他用艺术家的视角创造出未来的世界标本,杂糅历史,信仰,科技,身体,创造新的艺术体验。对于《思想者》这件作品的创作心路历程,作者解构了罗丹的著名雕塑“思想者”,雕塑头上的几何体、脑、种子等象征着社会中不断累加的技术元素,在人类代际不断升级的同时,也在不断地积累着不确定性。
张钊瀛 《24小时艺术史》 尺寸可变 综合材料 2019
张钊瀛的作品《24小时艺术史》为观众打造一个有趣的艺术史剧场,打破传统美术馆“白盒子”的空间局限,以及“每逢周一闭馆”的时间限制,力图将艺术还给人民,把美术馆放置在一个如此公共的空间里,让所有人置身其中。张钊瀛巧妙利用灯光这种霓虹的夜景式衬托,让人不知身处何方,琳琅满目。当美术馆都要关灯闭馆停止观看了,观众仍能在城市的某个角落发现艺术史尚未“停歇”,精彩仍在上演。张钊瀛希望观众们懂得,不论身处喧嚣的城市或者宁静的庄园中,总有一处能够吸引你去重新梳理所知的艺术史。其实生活与艺术就该面对面,近在咫尺之间。
【双林寺展区】
韦冬 《儿时的森林》 210x210x250cm 铸铜
温熙超 《二桃·三士》 75x75x300cmx3件 树脂,铁
苏凌志 《凌云》 540x68x270cm 玻璃钢
窦付坤 《景观.序》 1.7m 儒石
郑晓辉 《天边那朵云》 230x60x150cm 青铜铸造
刘辛未 《筑巢》 180x50x250cm 水泥钢筋
责任编辑:UCOO
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